Cátia de França é uma das mais singulares vozes da música brasileira, especialmente conhecida por seu trabalho como compositora, cantora e multiinstrumentista.

Nascida em João Pessoa, na Paraíba, em 1947, Cátia traz em sua obra uma forte conexão com as raízes culturais nordestinas, misturando elementos da música popular regional, como o coco, o baião e o forró, com influências da MPB e da literatura brasileira. Sua carreira é marcada pela fusão criativa de música e poesia, sendo frequentemente inspirada por escritores como João Cabral de Melo Neto e Guimarães Rosa.

Seu álbum de estreia, "20 Palavras ao Redor do Sol" (1979), é uma obra de referência para quem busca compreender a riqueza da música nordestina reinterpretada no contexto da década de 1970. O disco é um mosaico de ritmos regionais, com letras que dialogam com a tradição literária brasileira, especialmente com a obra de João Cabral, como em “Coito das Araras”. Essa capacidade de aliar a força poética de grandes escritores com uma musicalidade sofisticada fez de Cátia uma figura de culto entre os admiradores da música nordestina e da MPB.

Outro marco em sua discografia é o álbum “Estilhaços” (1980), onde sua habilidade de traduzir o cotidiano e a cultura do sertão nordestino em músicas vibrantes e engajadas se aprofunda. Ao longo dos anos, Cátia de França seguiu desafiando convenções, misturando gêneros, explorando novas sonoridades e mantendo um vínculo com a cultura nordestina que a alimenta artisticamente.

Embora menos conhecida do grande público, Cátia é admirada por sua autenticidade e por sua dedicação à experimentação artística. Sua obra ecoa a força da tradição e a liberdade da criação contemporânea, posicionando-a como uma das artistas mais respeitadas e inovadoras do cenário brasileiro.

Raphael Dorsa Neto apresenta o Lado A dessa grande artista brasileira com uma entrevista especial, realizada no estado do Rio de Janeiro. Acompanhe a partir de agora essa homenagem do Bororó a Cátia de França.

Em 11 de outubro de 2024, completam-se 116 anos do nascimento de Angenor de Oliveira, o Cartola, um dos maiores ícones da música brasileira e do samba. Seu nome ressoa como sinônimo de lirismo, sofisticação e resistência cultural, atravessando gerações como um símbolo da potência poética e musical das camadas populares do Brasil. Cartola não foi apenas um compositor extraordinário; ele moldou as fundações do samba e, por extensão, da própria identidade musical brasileira no século XX.

Nascido no Catete e criado em Laranjeiras e no Morro da Mangueira, Cartola viveu na pele a realidade dos morros cariocas, ambiente onde a luta pela sobrevivência cotidiana e a discriminação racial e social eram constantes. Foi nesse contexto que o samba emergiu como a expressão legítima e visceral de um povo que, mesmo marginalizado, encontrou na música um canal de expressão de suas alegrias, dores e esperanças. Cartola, mais do que um observador desse processo, foi um dos arquitetos dessa forma de arte, contribuindo decisivamente para sua estruturação tanto no plano musical quanto simbólico.

Aos 20 anos, em 1928, ele cofundou a Estação Primeira de Mangueira, uma escola de samba que se tornaria uma das mais emblemáticas do carnaval carioca. Se hoje Mangueira é um dos maiores redutos de resistência cultural afro-brasileira, muito disso se deve à visão e à ação de Cartola. Ele trouxe ao samba uma dignidade que antes era negada pelas elites culturais, que viam o gênero como uma manifestação menor, associada ao crime e à desordem. Ao lado de Carlos Cachaça e outros sambistas, Cartola ajudou a elevar o samba à categoria de arte refinada, comparável ao que de melhor se fazia no Brasil e no mundo.

O legado de Cartola transcende sua própria vida. Sua obra ajudou a criar um paradigma de samba que influencia até hoje grandes nomes da música brasileira, como Paulinho da Viola, Beth Carvalho, Zeca Pagodinho, e muitos outros. Ao colocar a alma nas suas canções, ele fez com que o samba deixasse de ser visto como música marginalizada e ganhasse status de patrimônio cultural.

O Brasil contemporâneo, muitas vezes marcado por uma desconexão com sua própria história cultural, precisa urgentemente revisitar Cartola. Sua obra é um lembrete constante da potência criativa e intelectual do povo afro-brasileiro, que, apesar de tantas adversidades, produziu uma das músicas mais ricas e complexas do mundo. O samba de Cartola, com seu lirismo e sofisticação, é um espelho da alma brasileira, refletindo as contradições, as belezas e as tristezas de um país multifacetado.

Aos 116 anos de seu nascimento, Cartola continua sendo um farol. Sua música, marcada pela tristeza e pela alegria, pela luta e pela celebração, nos ensina que, mesmo nos momentos mais difíceis, há beleza a ser encontrada. O mundo pode ser um moinho, mas, nas mãos de Cartola, ele girou sempre ao som de uma melodia que transcende o tempo e a dor, transformando-se em eternidade.

Candeia, nascido Antônio Candeia Filho, foi um dos maiores compositores e intérpretes do samba, especialmente dentro da vertente do samba de raiz e do samba-enredo, marcando profundamente a história do gênero. Candeia tinha uma sensibilidade única para retratar as vivências do povo negro, a luta por dignidade e a preservação das tradições do samba e da cultura afro-brasileira.

Nascido em 17 de agosto de 1935, no bairro de Oswaldo Cruz, no Rio de Janeiro, ele cresceu imerso no universo do samba, sendo filho de um mestre de capoeira e sambista, o que desde cedo o ligou às tradições negras e populares. Começou sua trajetória na escola de samba Portela, uma das mais tradicionais do Rio, para a qual compôs sambas-enredo memoráveis. Um dos mais marcantes foi o enredo “Seis Datas Magnas” (1957), que lhe rendeu o primeiro campeonato da escola e destacou seu talento.

Além de seu papel na Portela, Candeia também se destacou por sua carreira solo. Um momento crucial em sua vida ocorreu em 1965, quando foi baleado em um confronto com um policial, o que o deixou paraplégico. Esse evento foi transformador, pois embora tenha limitado sua mobilidade física, não diminuiu sua veia criativa, e ele usou sua música para fortalecer suas lutas por igualdade racial e valorização da cultura afro-brasileira.

Sua discografia é um tesouro para qualquer amante do samba. O álbum “Axé! Gente Amiga do Samba” (1978) é um dos pontos altos de sua obra, onde Candeia expressa seu amor pelo samba de roda, a cultura popular e a religiosidade afro-brasileira, especialmente o candomblé. Outra obra essencial é o disco “Samba de Roda” (1975), em que ele aprofunda ainda mais as raízes do samba tradicional, trazendo um resgate dos sambas de terreiro e das rodas de partido alto.

Candeia também foi um ativista cultural e um dos fundadores do Grêmio Recreativo de Arte Negra Escola de Samba Quilombo, em 1975. Esse projeto tinha como objetivo resgatar a essência das escolas de samba, que, segundo ele, estavam se afastando de suas raízes comunitárias e culturais em prol de uma maior comercialização e espetáculo. O Quilombo defendia a participação da comunidade e a preservação das tradições afro-brasileiras.

Entre suas composições mais conhecidas estão canções como “Preciso Me Encontrar”, uma de suas obras-primas, eternizada pela gravação de Cartola e também famosa na voz de Marisa Monte, e “Testamento de Partideiro”, onde declara seu orgulho de ser sambista e partideiro, celebrando a força do samba como símbolo de resistência.

Candeia morreu jovem, aos 43 anos, em 1978. Ele foi um poeta do samba que expressou com profundidade a luta e o orgulho do povo negro, e sua música permanece uma referência fundamental para quem busca entender o verdadeiro espírito do samba.

Nelson Cavaquinho é uma das figuras mais emblemáticas e profundas da história do samba brasileiro. Nascido Nelson Antônio da Silva em 29 de outubro de 1911, no bairro da Tijuca, Rio de Janeiro, ele moldou o samba com uma sensibilidade crua e honesta que refletia tanto sua vida difícil quanto suas reflexões sobre o tempo, a morte e a existência humana. Ao contrário de muitos sambistas que celebravam o lado festivo do gênero, Nelson caminhou na contramão, criando uma obra marcada pela melancolia e pelo lirismo profundo.

Embora seu nome artístico faça referência ao cavaquinho, Nelson foi um mestre no violão. Curiosamente, ele desenvolveu uma técnica única de tocar violão utilizando apenas dois dedos da mão direita, algo que, embora limitado tecnicamente, lhe permitiu criar um estilo inconfundível. Sua música, com harmonia simples e melodias diretas, valorizava as letras, onde residia o coração de sua arte.

Nelson Cavaquinho cresceu em um Rio de Janeiro onde o samba ainda estava ganhando as ruas e as rodas de samba se tornavam o centro das atividades culturais das comunidades. Seu envolvimento com a Mangueira, uma das escolas de samba mais tradicionais, foi um ponto de virada em sua vida e carreira. Na Mangueira, ele se aproximou de outros gigantes do samba, como Cartola e Carlos Cachaça, e foi ali que encontrou o ambiente propício para compor algumas das suas canções mais memoráveis.

O que faz Nelson Cavaquinho singular no panteão do samba é a sua obsessão com temas como a efemeridade da vida, a morte e a desilusão. Em canções como "A Flor e o Espinho", composta em parceria com Guilherme de Brito e Alcides Caminha, há uma profunda reflexão sobre o sofrimento e a inevitabilidade da dor na experiência humana. A letra, que diz "tire o seu sorriso do caminho, que eu quero passar com a minha dor", sintetiza essa visão amarga e poética da vida, uma visão que permeia grande parte de sua obra.

Sua parceria com Guilherme de Brito foi uma das mais frutíferas da música brasileira. Juntos, criaram uma vasta obra de sambas que se tornaram verdadeiros hinos, não apenas para o público, mas para as rodas de samba e os grandes intérpretes da música popular brasileira. Essa união de talentos resultou em clássicos que equilibravam simplicidade melódica e complexidade emocional, algo raro e precioso no cenário musical.

Nelson era um homem de hábitos simples, que viveu a maior parte de sua vida sem os luxos ou o reconhecimento que suas composições mereciam. Apenas mais tarde em sua carreira, já na década de 1970, ele começou a ganhar o devido reconhecimento, com artistas renomados gravando suas músicas e levando seu nome para um público maior. Sua participação em discos importantes e documentários ajudou a consolidar sua posição como um dos grandes mestres do samba.

Embora tenha enfrentado muitas dificuldades ao longo da vida, inclusive com o alcoolismo, que marcou sua trajetória pessoal e artística, Nelson nunca perdeu a capacidade de transformar a dor em beleza. Suas canções são monumentos à condição humana, especialmente à fragilidade e à impermanência da vida. Ao ouvir sua obra, é impossível não se sentir tocado pela honestidade emocional que ele colocava em cada verso.

Nelson Cavaquinho morreu em 18 de fevereiro de 1986, deixando um legado que vai muito além do samba. Suas canções são verdadeiros poemas musicais que falam de uma filosofia de vida, de aceitação e de compreensão das limitações humanas. Nelson enxergava o mundo com olhos de poeta, e seu talento estava em expressar isso de maneira tão simples quanto profunda.

Se o samba pode ser visto como a alma do Brasil, Nelson Cavaquinho foi o cronista das suas sombras, das suas tristezas e das suas belezas mais silenciosas. Sua obra, mesmo mergulhada em temas dolorosos, encontra beleza no sofrimento e faz da melancolia um instrumento de conexão humana. Cada acorde e cada verso de suas músicas são como um espelho para a alma daqueles que o ouvem, um lembrete de que, mesmo na dor, há poesia.

Elton Medeiros (1930–2019) foi um dos mais importantes compositores e sambistas brasileiros, reconhecido por sua contribuição à música popular brasileira, especialmente ao samba, mas não apenas a ele.

Nascido no Rio de Janeiro, Elton cresceu no ambiente do samba e do carnaval, influenciado pelas rodas de samba de bairros como Glória e Lapa. Sua carreira foi marcada pela parceria com grandes nomes da música brasileira, como Paulinho da Viola, Candeia, Cartola e Zé Keti, todos em grande medida graças ao Zicartola, casa fundamental para a construção de grupos e espetáculos musicais, como o "Rosa de Ouro", que recupera a grande cantora Aracy Cortes e lança Clementina de Jesus como artista.

Elton Medeiros foi um compositor que sempre prezou pela qualidade poética e melódica de suas canções, criando sambas clássicos como "O Sol Nascerá" (com Cartola), "Coração Vulgar" e "Pressentimento" (com Hermínio Bello de Carvalho).

Sua obra é marcada por uma profunda sensibilidade e capacidade de traduzir as emoções do cotidiano em letras comoventes e melodias refinadas, que o tornaram um ícone no cenário do samba. Ao longo de sua vida, Elton Medeiros preservou as raízes do samba, mas também soube inovar, o que garantiu seu lugar entre os grandes nomes da música popular brasileira.

Zé Keti, nascido em 16 de setembro de 1921, completaria 103 anos HOJE. Claro que o BORORÓ e a Rádio Cultura de Brasília não ficariam de fora dessa celebração. Afinal, a música de Zé Keti é uma celebração da alma carioca e da luta do povo.

Compositor, cantor e um dos maiores sambistas do Brasil, Zé Keti foi um cronista musical das favelas, das rodas de samba e das injustiças sociais, tornando-se uma voz fundamental na resistência cultural do país.

Seu legado é vasto e repleto de obras que refletem a vida cotidiana dos trabalhadores, dos boêmios e dos marginalizados. Músicas como "A Voz do Morro", "Mascarada" e “Opinião" tornaram-se hinos da resistência e expressões genuínas das lutas sociais. Ele foi um dos protagonistas do espetáculo “Opinião", um marco na história do teatro brasileiro que uniu música e política em plena ditadura militar, mostrando que a arte podia ser uma poderosa forma de protesto.

Zé Keti não apenas compôs sambas inesquecíveis, mas também ajudou a construir uma identidade musical brasileira que ecoa até hoje. Seu estilo único, que mistura alegria e melancolia, resistência e celebração, continua a inspirar novas gerações de músicos e amantes do samba.

Celebrar os 103 anos de Zé Keti é celebrar o poder transformador da música e a persistência de um homem que, através de suas canções, deu voz aos invisíveis e eternizou as paisagens humanas do Rio de Janeiro.

Seu legado permanece vivo nas rodas de samba, nos corações dos que lutam por justiça e na história da música brasileira. Zé Keti é e sempre será a voz do morro. a voz do povo.

Bororó também é cultura.

O BORORÓ de hoje é dedicado a um renomado músico, compositor e produtor brasileiro, amplamente reconhecido por sua contribuição à música popular e pelo papel crucial que desempenhou na internacionalização da bossa nova e da música brasileira. Falamos neste episódio de Sergio Mendes falecido na última sexta-feira.

Nascido em Niterói, Rio de Janeiro, em 1941, Mendes começou sua carreira na década de 1960 e rapidamente se destacou pela sua habilidade de combinar ritmos brasileiros, como o samba e a bossa nova, com elementos do jazz e do pop, criando um som único e inovador.
Liderando o grupo Brasil '66, Sérgio Mendes alcançou sucesso internacional com hits como "Mas Que Nada," que se tornaram emblemáticos do seu estilo característico, que mistura suavidade melódica com uma pegada rítmica vibrante. Sua música é conhecida por arranjos sofisticados, harmonias cativantes e a fusão de influências brasileiras com toques de jazz e soul.

Ao longo de sua carreira, Mendes trabalhou com diversos artistas de renome, incluindo Stevie Wonder, Herb Alpert, e Will.i.am, o que ajudou a manter sua relevância e apelo entre diferentes gerações.
Bororó também é cultura.

O BORORÓ desta semana presta sua homenagem aos 105 anos de uma lenda da nossa música.

Jackson do Pandeiro, nascido José Gomes Filho em 31 de agosto de 1919, em Alagoa Grande, Paraíba, é uma das figuras mais icônicas da música popular brasileira.

Conhecido como o "Rei do Ritmo", Jackson do Pandeiro se destacou pela sua habilidade incomparável de mesclar ritmos nordestinos, como o forró, o coco, o xaxado e o samba, criando um estilo único e inovador.

Filho de um tocador de zabumba e de uma cantora de coco, Jackson começou sua carreira musical ainda jovem, tocando pandeiro em festas e rádios locais. Sua forma de interpretar as músicas, marcada por uma dicção perfeita e um senso de ritmo apurado, conquistou o público brasileiro e o tornou um dos maiores nomes da música nordestina.

Entre seus maiores sucessos estão "Chiclete com Banana", "O Canto da Ema" e "Sebastiana", canções que se tornaram verdadeiros hinos e são lembradas até hoje pela sua alegria e energia contagiante.

Jackson do Pandeiro foi um artista que, além de talentoso, soube valorizar e divulgar a riqueza cultural do Nordeste, influenciando gerações de músicos e deixando um legado inestimável para a música brasileira.

Sua carreira, que atravessou décadas, foi marcada pela autenticidade e pela capacidade de inovar sem perder as raízes. Jackson do Pandeiro faleceu em Brasília, em 10 de julho de 1982, mas sua música continua viva, celebrada por todos que reconhecem o valor e a importância de um verdadeiro mestre do ritmo.

Bororó também é cultura.